Expositions au MUCEM 2022-20223
Expositions : Alexandrie, futurs antérieurs ; Ghada Amer ; Terre de A à Z.
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Dernière reine d'Égypte, Cléopâtre VII est devenue une icône dès le 1er siècle apr. J.-C. Symbole de luxure et de décadence ou, au contraire, image d'une femme forte et cultivée ayant changé la face du monde antique, la souveraine enflamme l'imaginaire depuis des millénaires.
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![<center>Héron d'Alexandrie</center>1575. Livre imprimé. <br>
HERONIS ALEXANDRINI SPIRITALIUM LIBER, A FREDERICO COMMANDINO,... EX GRAECO NUPER IN LATINUM CONVERSUS. [EDIDIT VALERIUS SPACIOLUS.]](./photos/mucem-0144.jpg)
HERONIS ALEXANDRINI SPIRITALIUM LIBER, A FREDERICO COMMANDINO,... EX GRAECO NUPER IN LATINUM CONVERSUS. [EDIDIT VALERIUS SPACIOLUS.]
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Horus légionnaire. L’iconographie des divinités égyptiennes traditionnelles se modifie en incorporant des éléments gréco-romains qui les rendent « bilingues » est donc compréhensible par le plus grand nombre. Ainsi, la représentation du pharaon sous les traits d'Horus, un homme à tête de faucon, se pare de la cuirasse des empereurs romains tandis que l'enfant Harpocrate se décline sous des formes variées et devient le protecteur des foyers des jeunes enfants.
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Si la tradition relate que l'évangéliste saint Marc aurait « fondé » l'Église d'Alexandrie, c'est vraisemblablement au sein de l'importante communauté juive qu'est né le christianisme alexandrin. La ville devient, au 3e siècle apr. J.-C., l'un des centres majeurs où s'épanouit la réflexion théologique chrétienne. Un édit de l'empereur romain Théodose Ier, en 391, proclame le christianisme comme religion d'État, interdit les cultes polythéistes, décrète la fermeture des temples et autorise leur démolition.
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Les sources archéologiques et textuelles permettent de mettre en lumière la présence d'une communauté juive d'Alexandrie. En témoignent cette stèle consacrée au renouvellement d'un décret d'asile d'une synagogue sous Ptolémée VIII (en grec) et sous Cléopâtre VII/Césarion (en latin) ou encore ce pointeur conçu pour la lecture de la Torah. Les Juifs habitaient dans un quartier particulier de la ville leur permettant de préserver leurs lois et rites. Ils constituaient probablement un tiers de la population.
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A droite : Jarre aux motifs de sphinx, de Bès et d’œil oudjat. 4e-1er siècle av. J.-C. Faïence verte et bleue.
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A droite : Pot. 305-30 av. J.-C. . Faïence.
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Gobelet. 1er siècle apr. J.-C. Verre.
Fiole. 3e-4e siècle apr. J.-C. Verre.
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Assiette. 4e siècle apr. J.-C. Verre.
Skyphos miniature. 3e-1er siècle av. J.-C. Onyx.
Amphorisque miniature. 1er siècleav. J.-C.-1er siècle apr. J.-C. Onyx.
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Autoportrait en bleu et jaune. 2014. Grès cérame avec incrustations de porcelaine et barbotine de porcelaine.
Portrait de la femme révolutionnaire. 2017. Grès cérame avec incrustations de porcelaine et barbotine de porcelaine.
Comment se représenter en tant que femme ? Si son autoportrait montre l’adresse de Ghada Amer à saisir les .traits d’un individu singulier, l’artiste souhaite le plus souvent traiter de la femme dans son universalité, au-delà des catégories sociales, religieuses ou ethniques. Pour cela, elle emploie la figure iconique de la pin-up dans ses peintures et, depuis 2013, dans ses céramiques. L’engobe émaillé lui permet de poursuivre ses recherches picturales tout en lui offrant de nouvelles possibilités expressives. Loin d’être des femmes passives et objectifiées, les pin-up de cette période apparaissent comme des femmes sûres d’elles et actives. Elles font écho aux femmes révolutionnaires qui ont manifesté dans les rues du Caire en 2011 et à toutes celles qui luttent pour leur émancipation. « En vérité, toutes ces femmes, ce sont aussi un peu des autoportraits.
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![<center>Une autre femme révolutionnaire</center>2022.
Peinture acrylique, broderie et gel médium sur toile. <br>
Cette « autre femme révolutionnaire » fait écho à celle que l’artiste a peinte en 2015 et à celle qu’elle a portraiturée sur céramique en 2017. Toutes dévisagent le spectateur sans baisser le regard, leur bouche entrouverte laisse entendre la voix de la revendication. Elles puisent leur inspiration dans les mobilisations féministes du Printemps arabe. Cependant, leur lutte n’altère pas leur sensualité :
Ghada Amer prend le contrepied de l’iconographie révolutionnaire du réalisme socialiste. Nawal El Saadawi prête ses mots à cette femme révolutionnaire :
« [...] L’homme rebelle ou révolutionnaire peut devenir un héros populaire respecté par tout le monde, alors qu’une femme rebelle ou révoltée paraît anormale et manquant de féminité. », dénonce-t-elle notamment.](./photos/mucem-0310.jpg)
Cette « autre femme révolutionnaire » fait écho à celle que l’artiste a peinte en 2015 et à celle qu’elle a portraiturée sur céramique en 2017. Toutes dévisagent le spectateur sans baisser le regard, leur bouche entrouverte laisse entendre la voix de la revendication. Elles puisent leur inspiration dans les mobilisations féministes du Printemps arabe. Cependant, leur lutte n’altère pas leur sensualité : Ghada Amer prend le contrepied de l’iconographie révolutionnaire du réalisme socialiste. Nawal El Saadawi prête ses mots à cette femme révolutionnaire : « [...] L’homme rebelle ou révolutionnaire peut devenir un héros populaire respecté par tout le monde, alors qu’une femme rebelle ou révoltée paraît anormale et manquant de féminité. », dénonce-t-elle notamment.
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Ghada Amer a longtemps brodé et peint des toiles de petit format pour expérimenter de nouvelles techniques ou garder la trace de trouvailles inspirantes. Ces petits tableaux sont montrés aujourd’hui pour la première fois. Un essai de monochromie évoque l’artiste minimaliste américain Robert Ryman et soulève la question de l’invisibilisation du corps féminin. Les autres sont le fruit de recherches picturales et typographiques, en arabe ou en anglais, avec ou sans figures. Toutes témoignent de l’activisme artistique et féministe de Ghada Amer. « J’inclus dans mes peintures des citations qui me parlent, mais je ne précise jamais leur auteur : je veux qu’on les lise sans préjugé. Parfois, on a des surprises quand on découvre qui a prononcé certaines de ces phrases ! »
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Creuset à couleurs et répertoire de marques. Manufacture de porcelaine Samson. Terre cuite et cuivre martelé Montreuil, Seine-Saint-Denis, 20e siècle.
Au 17e siècle, de nouveaux foyers créateurs de faïence se constituent, comme les Pays-Bas avec BH ou la France avec Nevers, Influencés par la faïence Italienne ou la porcelaine orientale. K Delft, l'Importation massive des porcelaines de Chine, notamment la porcelaine en bleu et blanc de l'époque Wanli (1572-1720) et du Japon par la Compagnie néerlandaise des Indes orientales, la VOC, fournit une inépuisable source d’inspiration aux faïenciers locaux, qui en donnent d’excellentes interprétations. La production hollandaise s'exporte alors ou est imitée dans toute l’Europe. Les carreaux anglais souvent peints en bleu ont une grande proximité avec leurs modèles néerlandais en camaïeu de bleu. Le terme delftware désigne en Angleterre la faïence tout comme le terme china désigne la porcelaine.
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La fontaine de propreté est une petite réserve d’eau murale, fermée par un couvercle et munie d’un ou deux robinets. Elle contient de l’eau pour des usages d’hygiène, notamment pour se laver les mains. Elle est alors accompagnée d’un bassin. Les plus raffinées comportent un porte-savon. Le pays d’Apt est l’héritier d’une longue tradition potière due à la qualité de ses argiles et de ses terres d’ocre. La faïence fine d’Apt, à son apogée au 18e siècle grâce à la « marbrure aptésienne », donne naissance à des pièces somptueuses inspirées de l’orfèvrerie comme cette fontaine de propreté représentant La dispute de la culotte. La faïence est en outre très efficace pour préserver la fraîcheur de l’eau.
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Le grès est une terre argileuse mêlée de silice dont on fait par façonnage et cuisson des poteries utilitaires ou décoratives très résistantes. Ce matériau résistant au temps est utilisé pour des céramiques architecturales en décor de façade ou anciennement pour des épis de faîtage. Ce calvaire, lui, est l’œuvre d’artisans de La Borne, dans le Cher, centre potier produisant des grès émaillés au minium, qui donne aux pièces produites une couleur jaune caractéristique. Formée de neuf buses s’emboîtant l’une dans l’autre, la croix qui fut un temps érigée à l’entrée du village, est signée de Marie-Louise Talbot, « artiste en poterie », et de son fils Jean-Joseph Chameron. Une guirlande de feuillage court sur les buses inférieures au milieu de motifs de pertes, de losanges et d’étoiles. Puis, en s’élevant vers le ciel, le regard découvre une crucifixion et les instruments de la Passion, Adam et Ève et le péché originel, des soldats romains dans de petites niches et enfin la croix du calvaire, culminant à plus de trois mètres de hauteur : saint Jean la Vierge et Marie-Madeleine sont entrés hier au pied de la croix.
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Azulejos modèle Moçarabe. Fabrique Ceramica Viuva Lamego. Faïence émaillée Lisbonne, 20e siècle.
La céramique à lustre métallique a connu une longue pérennité dans tous tes pays musulmans depuis l'impulsion qui lui avait été donnée par les Abbassides (8e-13e siècle). Elle est inspirée à l’origine par les arts somptueux du métal dont elle cherche à reproduire l’éclat, grâce à l’utilisation d’oxydes de cuivre et d’argent. La faïence hispano-mauresque est directement issue de la céramique islamique. Elle s’est développée dans les territoires d’Al-Andalus à la faveur de l’immigration de nombreux potiers en provenance du Moyen-Orient et a été favorisée par la découverte de mines d’étain. C’est son décor à reflets métalliques - le lustre - qui caractérise cette production de luxe. Ces faïences sont aussi à l’origine des carreaux de revêtement, les azulejos, auxquels le Portugal a accordé une importance sans égale.
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La jarre est un grand récipient de forme ovoïde, généralement en grès ou en terre cuite, à panse et ouverture larges. Djaraen arabe, jatraen espagnol, portugais ou provençal, giara en italien, elle développe des formes évoquant les rondeurs féminines, et qui font dire à Jean Giono dans Regain : « Elle est comme une jarre entre ses mains (...). Il tient dans ses mains toute la rondeur de la jarre de chair. » Ses techniques de fabrication divergent d’un endroit à l'autre - à la corde, dans un moule, au colombin ou au tour -, mais ia main de l’homme est toujours nécessaire. Souvent vernissée à l’intérieur et sur le col pour assurer l’étanchéité, parfois pourvue d’anses de préhension, elle peut dépasser le mètre de hauteur. Elle est utilisée pour contenir et stocker des liquides, des aliments ou des grains sur tout le pourtour méditerranéen. En certains endroits, comme en Géorgie, considérée comme le berceau antique de la viticulture, elle est enterrée pour « élever le vin ».
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Appelée Ideqqi (argile à poterie en berbère) dans la tradition kabyle, la poterie est au nombre des tâches dont chaque femme doit savoir s’acquitter : la recherche de l’argile, des colorants et du combustible, le modelage au colombin et le décor, et pour finir la cuisson à l’air libre et le vernissage à la résine. Tout est mené et exécuté par les femmes, seules ou par groupes d’affinités ou de maison. Les motifs géométriques qui ornent les poteries, que l’on retrouve sur les textiles et les tatouages des femmes, sont porteurs d’une signification symbolique dont l’origine remonte à l’époque néolithique. Dès leur plus jeune âge, les petites filles berbères apprennent è modeler elles-mêmes des petits jouets ou dînettes qu’elles pourront à l’âge adulte confectionner pour leur foyer.
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Cruche dite bilha de rosca trabalhada. Querubin Queros Da Rocha. Terre cuite, argile, incisée, montée au tour, cuisson en réduction. Bisalhäes, Portugal, 2005
Vase. Terre cuite, montée au tour, grattée, incisée. Marginea, Moldavie, Roumanie, 2de moitié du 20e siècle.
Oxydation Réduction. Le centre de Marginea, dans la région de Bucovine en Moldavie, est connu pour la production de poteries noires, autrefois très répandue en Europe centrale et orientale. Ce type de céramiques est connu dès l’âge du fer. La technique de cuisson en réduction leur donne cet aspect caractéristique. À la fin d’une cuisson en oxydation, les ouvertures du four sont obstruées par de la terre ou des branchages. L’objet continue alors de cuire dans un milieu dépourvu d’oxygène, ce qui provoque un double phénomène, chimique avec la production d’une grande quantité de dioxyde de carbone, et physique avec la dilatation des pores de la glaise due à la chaleur, dans lesquels le carbone va venir se fixer massivement. Le décor est réalisé avec un galet avant la cuisson. Ce type de cuisson se pratique encore sporadiquement au Portugal à Bisalhäes ou en Pologne et donne aux céramiques produites un aspect lustré métallique caractéristique.
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Pichet. Le peintre et deux modèles. Pablo Picasso (1881-1973) Atelier Madoura Terre cuite, montée au tour, vernissée Vallauris, 6 janvier 1954..
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On ne saurait parler de céramique sans évoquer l'artisan qui par ses gestes et sa connaissance de la matière parvient à toutes ces métamorphoses. Les artistes eux-mêmes se sont essayés à cette pratique populaire, tel Pablo Picasso lorsqu’il découvre Vallauris à la fin des années quarante et s’installe à l’atelier Madoura. Il apprend auprès de Suzanne Ramié et de Jules Agard à tourner la terre, à la façonner et à la décorer. Il dessine aussi les affiches de ces expositions de potiers dans le Vallauris des années cinquante, représentant là un artisan en train de tourner un vase, devant des étagères remplies de pièces ; au centre, un autre qui porte les pièces à cuire, et à gauche, le four. C’est un hommage au travail de l'artisan potier, qui laisse poindre la frontière ténue existant entre une production artistique et une production populaire. Georges Henri Rivière avait ainsi mis en regard dans une vitrine du Musée des arts et traditions populaires le pichet de Picasso Le peintre et deux modèles, offert par le collectionneur Daniel-Henry Kahnweiier, avec des céramiques d’art populaire présentes dans les collections.
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![<center>Statue de saint Prothais</center>Faïence de grand feu Nevers, Bourgogne, 1678. <br> Sous les règnes d’Henri IV et de Louis XIII, Nevers se révéla être le principal centre français de la faïence (qui tire son nom de la ville italienne de Faenza). Les Gonzague, devenus ducs de Nevers, y ont favorisé la venue d’artistes et d’artisans italiens dont les faïenciers. Parmi l’abondante production nivernaise, la statuaire occupe aux 16e et 17e siècles une place importante et surprenante par sa qualité et la taille de ses œuvres. Le saint gémellaire se tient ainsi debout, en vêtements sacerdotaux à motifs fleuris avec un camaïeu de bleu cobalt imitant la broderie et du jaune d’antimoine pour les franges dorées. Il a dans sa main droite un livre ouvert avec une inscription « Saint Prothais, prieé [sic] pour nous », et son bras gauche porte le manipule (bande de tissu faisant partie de l’habit liturgique). Il repose sur un socle rectangulaire avec moulures où se lit la dédicace : « St Prothais, 1678 »](./photos/mucem-0335.jpg)
Sous les règnes d’Henri IV et de Louis XIII, Nevers se révéla être le principal centre français de la faïence (qui tire son nom de la ville italienne de Faenza). Les Gonzague, devenus ducs de Nevers, y ont favorisé la venue d’artistes et d’artisans italiens dont les faïenciers. Parmi l’abondante production nivernaise, la statuaire occupe aux 16e et 17e siècles une place importante et surprenante par sa qualité et la taille de ses œuvres. Le saint gémellaire se tient ainsi debout, en vêtements sacerdotaux à motifs fleuris avec un camaïeu de bleu cobalt imitant la broderie et du jaune d’antimoine pour les franges dorées. Il a dans sa main droite un livre ouvert avec une inscription « Saint Prothais, prieé [sic] pour nous », et son bras gauche porte le manipule (bande de tissu faisant partie de l’habit liturgique). Il repose sur un socle rectangulaire avec moulures où se lit la dédicace : « St Prothais, 1678 »
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Le Beauvaisis, riche en argiles variées, est un centre ancien de traditions céramiques où s’opère au 14e siècle une véritable révolution technique donnant naissance à un nouveau matériau, le « grès » appelé jusqu’au 18e « terre de Beauvais ». Les terres vernissées, et les grès du Beauvaisis du « beau 16e siècle », se diffusent ainsi dans tout le royaume de France, ainsi qu’à l’étranger, dans les demeures les plus prestigieuses et les cours royales. Cette bouteille en terre cuite glaçurée, à pied elliptique à godrons, prend la forme d’une gourde de pèlerinage ou gourde-crapaud. Son décor symétrique d’une tête surmontée d’une coquille avec deux angelots tenant un vase et de nombreux rinceaux et guirlandes, ainsi que le jaspé-marbré de la panse, atteste de la virtuosité de l'artisan et des créations de « demi-luxe » des ateliers de Beauvais très actifs à la Renaissance et tout au long de la période moderne. On retrouve sur des céramiques produites par d’autres centres potiers à cette période ces mêmes décors de coquilles et d’angelots.
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